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Arranging makeup to perform for the gods par Peter Nitsch

Edition : Tirage original, 10 exemplaires.
Authentification : Certificat numéroté et signé par l’artiste, facture.
Médium : Photographie.
Technique : Tirage Fine art qualité musée.
Couleur : Encres pigmentaires UltraChrome K3.
Support : Papier Hahnemühle, FineArt Baryta 300g.
Tirage : Avec marge blanche autour de l’oeuvre.
Encadrement : Montage sur Dibond® avec chassis rentrant, Encadrement en Caisse américaine. 


Paiement possible en 2x, 3x ou 4x sans frais !
Avec Alma, solution intégrée à votre règlement par carte bancaire.
Valable pour tout montant de 50 à 2000 euros.

UGS : PN-ARGNG-B Catégories : , Étiquettes : , , ,

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Complément d’informations

Moyen de paiement : Carte bancaire sécurisée via notre partenaire Stripe, Paypal, Virement bancaire, Alma.
Délai de fabrication avant envoi : 7 jours pour un tirage seul, 15 jours pour un tirage avec encadrement.
Livraison : A domicile ou en Point relais. Quasi partout dans le monde.
Frais de livraison : Offerts, léger dépassement pour certaines régions du monde.
Tenue dans le temps : Stabilité des couleurs, résistance aux UV en intérieur, grâce aux encres pigmentaires minérales encapsulées de résine projetées sur un support 100% Alpha cellulose.
Durée de vie : 75 ans sans dégradation en conditions normales d’exposition en intérieur. Résultat des tests réalisés en laboratoires indépendants.
Conservation : Environnement ambiant stable autour de l’oeuvre préconisé. Variations de température et humidité à éviter. Lumière du jour directe proscrite.
Taux d’humidité recommandé : 35 à 65%.
Température conseillée : entre 10 à 30°C.
Normes et certifications : Sans acide, ni lignine. Norme ISO 9706 long life.

A propos de l’artiste

Peter Nitsch est né et a grandi dans la région du Haut-Palatinat, en Bavière orientale. Il est diplômé du département de design et communication de l’université des sciences appliquées de Munich (MUAS). Influencé par son enfance dans le No man’s land du Haut-Palatinat et par la scène des Skaters allemands de la fin des années 80, il propose des récits de personnes en dialogue avec la vie, extirpant ainsi une vision claire et nette des identités individuelles et collectives. Il se sert du contexte social et du paysage urbain pour explorer les identités en relation avec les réalités culturelles et interculturelles. Peter Nitsch a publié sa première monographie Bangkok – Urban Identities en 2006. Il a reçu de nombreux prix en tant que designer (Festival de New York et BDA…) et photographe (Los Angeles International Photography Award et Hasselblad Masters demi-finaliste…). Il est le cofondateur du premier magazine européen de skate et de snowboard Crossover, Playboard, et du studio de design d’entreprise RUPA. En 2020, Il devient membre à vie de la Royal Photographic Society of Thailand.

Site web : peternitsch.com

Interview de
Peter Nitsch

PLUS
TECHNIQUE

Comment as-tu choisis ton moyen d’expression ?

Je suis venu assez tard à la photographie alors que j’étudiais le design de communication à Munich, en Allemagne. Pendant les quatre années de design, j’ai également tout appris sur la photographie grâce à un professeur très engagé. Il était passionné par Robert Capa, Brassaï, Nobuyoshi Araki et bien d’autres photographes à l’esprit créatif. À cette époque, à la fin des années 90, nous prenions tout en film noir et blanc, et nous développions et agrandissions nous-mêmes dans la chambre noire de l’université. Après avoir obtenu mon diplôme, j’ai travaillé dans l’industrie cinématographique pendant de nombreuses années en tant que motion designer. Des années plus tard, je suis revenu à la photographie, l’un des meilleurs choix que j’ai fait.

Ce médium est-il secondaire par rapport à ton propos ou étroitement lié ?

Je suis une personne visuelle, plutôt que mathématique. Bien que parfois, j’aimerais que ce soit l’inverse. J’ai tendance à voir les situations dans mon esprit sous forme de photos individuelles que je superpose à des compositions abstraites avant de prendre la photo. Cela peut sembler bizarre et compliqué, mais c’est ma façon de photographier. Cela peut être bon dans certaines situations, mais en même temps, cela m’empêche parfois d’être créatif et de penser au-delà du modèle.

Quel matériel utilises-tu et pourquoi celui-ci plutôt qu’un autre ?

Je photographie tout en numérique avec un esprit analogique, c’est-à-dire que je profite de la facilité du traitement numérique tout en ne créant que quelques photos par jour, comme à l’époque où la prise de vue sur pellicule était très coûteuse et où il fallait d’abord réfléchir si l’on voulait imprimer cette photo. Je dirais que je suis une sorte de photographe lent. Par conséquent, il y a des jours où je ne prends aucune photo.

Comment une séance de travail se prépare-t-elle ?

Cela dépend. Je fais des photos programmées pour des clients ou je prends des photos spontanément – j’aime les deux car chacune a sa propre dynamique. Mais pour les séances de travail, j’ai tendance à tout planifier, comme la lumière, l’emplacement et le modèle si nécessaire, jusqu’au concept de la photographie finale. Deux semaines à l’avance.

Peux-tu m’expliquer ce qui diffère entre tes débuts et ton travail actuel ?

Je dirais que je suis plus calme aujourd’hui qu’à mes débuts. Je ne suis pas si pressé de prendre une photo spécifique, j’essaie de laisser les choses se faire. Même si vous planifiez tout, la vie a tendance à être pleine de surprises.

PLUS
INTIME

Tes origines, ta culture ont-ils un rôle dans les oeuvres que tu produis ?

D’une certaine manière, c’est le cas. Je suis né et j’ai grandi dans le Haut-Palatinat, une région du sud de l’Allemagne située en Bavière. Lorsque les gens pensent à la Bavière, ils ont surtout en tête la partie la plus florissante de la Bavière – la Haute-Bavière, près des Alpes. Mais le Haut-Palatinat dans lequel j’ai grandi était plutôt un no man’s land oublié, une terre de travailleurs – avec beaucoup de mines de charbon. C’est plus rural et peu peuplé. Les gens ont tendance à ne pas beaucoup parler, contrairement à moi, Il est très difficile de communiquer avec eux. C’est probablement pour cela que j’ai commencé à m’intéresser à la photographie – pour établir un contact avec les gens, observer pour comprendre leurs vies…

Quels sont les événements qui t’ont le plus influencé ?

Quand j’étais enfant, la sœur de ma mère a été assassinée. Cela a affecté et continue d’affecter la vie de ma famille. On ne sait jamais combien de temps on a à vivre, et j’essaie d’en tirer le meilleur parti chaque jour.

Quelles sont les sources de ton inspiration ?

Ma vision est à la fois celle d’un photographe et d’un designer. Elles s’inspirent mutuellement.

L’actualité rentre-t-elle en compte dans ta fabrication ou au contraire t’en détaches-tu ?

Non.

PLUS
PHILOSOPHIQUE

Tes oeuvres sont-elles plutôt un dialogue, une trace ou encore une dénonciation ?

Il s’agit plutôt d’un dialogue, principalement avec la vie des gens, les situations et l’environnement.

Souhaites-tu amener le spectateur à se questionner ou préfères tu l’interpeller ?

La vision d’une photo entraîne toujours des sentiments ; c’est un langage visuel et émotionnel. Les gens peuvent avoir des expériences différentes en regardant la même photographie. Je pense que c’est un mélange des deux. Cela dépend de l’histoire, du sujet et du contexte.

Quel regard portes-tu sur l’humain, et par conséquent à travers ton travail ?

Personne n’est parfait, la nature ne l’est pas. L’exploration de ces imperfections m’a toujours fasciné. Prenez par exemple le visage humain. Il semble symétrique, mais mathématiquement, le côté gauche du visage n’est pas exactement le même que le côté droit – il y a peut-être des exceptions, mais en général, il n’est pas symétrique à 100 %. L’asymétrie du visage s’accentue avec l’âge. Les êtres humains sont en constante évolution, la vie est en constante évolution et ma photographie l’est aussi.

L’art est-il poésie ou intervention sociale ?

La diversité même de l’art entraîne des définitions différentes. L’hémisphère « occidental » définit l’art différemment de l’hémisphère « oriental » – une définition n’est pas supérieure à l’autre, elle est simplement différente. L’art peut donc être les deux.

POUR
CONCLURE

Quel regard portes tu sur ton propre travail ?

Lorsque je suis au milieu d’un travail, j’y pense jour et nuit, encore et encore. Mais une fois qu’il est terminé, j’ai tendance à le laisser de côté et à passer à autre chose.

Quels sont tes projets en cours, à venir ?

Je viens de terminer mon livre de photos chez l’éditeur Hatje Cantz, intitulé Tango in the Big Mango, un livre de photographies imaginaires sur Bangkok, à la manière de Baudelaire. Je travaille actuellement sur une série intitulée The New Normal et mon projet à long terme porte sur la ville où j’ai grandi.